Gerardo Herrero:

"A mí me gusta producir, pero la realidad es que el papel del productor pierde peso. A mí me gusta decidir, estar en el proceso creativo de una película desde la idea, el guión. Pero la realidad es que nos estamos convirtiendo en buscadores de dinero. Dependemos demasiado de la financiación. Desde hace un par de años se ha vuelto todo muy complicado. Se pierde mucho tiempo en la burocracia, el marketing se ha hecho imprescindible. Dependes del gusto de mucha gente y sus caprichos. Todo el mundo opina y muchas veces contradictoriamente".

En El País.

Cinco Lecciones de Cine

It won't get better unless you get bold.

Guillermo del Toro entrevistado por Mike Fleming:

I’ll tell you. This is the time to be bold. There is a saying in Spanish, ‘The raging river is a fisherman’s gain.’ Which means, when the river is raging, few people jump in, but they bring out a lot of fish.  This is the time to be bold. If we are not, the self fulfilling prophecy is dying. I love that Chris Nolan did Inception. He did it because he can, but I assure you, this was not easy to push through. Whether bold movies succeed or fail, they don’t go unnoticed. Movies that are timid definitely are not succeeding in this time. The problem we have as a craft and artistry medium, we can only hope to be defined by our hearts. This industry gets defined weekend by fucking weekend, and that is as impossible as chronicling your autobiography day by day. You assume certain people in the industry will be lemmings, but the one who has my sympathy is the lemming who steps back and says, 'oh, fuck you all, I’m going to do this other thing.'

¿Sabías que...?

Sabías que... (Did you know?) Cinema Edition 1.0 [El Cosmonauta] from Riot Cinema on Vimeo.

Herschell Gordon Lewis:

The only film that an independent can make and survive with is a film that the major producers cannot or will not make.

Presupuesto: ¢15,000.00

Carlos Raygadas:

"La mayoría del cine que se hace en el mundo no es cine, sino básicamente literatura filmada con los medios teatrales, donde lo más importante es contar una buena historia. Esto implica que, por ejemplo, el cine no debería tener escenarios reconstruidos, historias como un fin, o actores conocidos, pues tener estrellas forma parte del show business, que viene del teatro, del burlesque o de la comida del arte, de la tradición más antigua de los actores que se volvían estrellas, algo que es metacine."

Básicamente el discurso que también esgrimen genios locos como Peter Greenaway. No lo comparto, pero es interesante, y además le ha dejado verdaderas joyas como Luz Silenciosa, una película bellísima.

La nota completa la pueden leer en Reforma ($), pero les anexo algunas otras citas de la misma.

"(...) Hay un proceso de asociación sensorial como en la música, la pintura o la fotografía. Y todo eso no constituye una suma, sino una especificidad, la cual, en el cine, todavía está muy lejos del espectador y de lo que se ve, por lo que el cine, a mi juicio, todavía no despega y debe evolucionar muchísimo."

"Cuando el cine es literatura ilustrada, el cómo parece ser lo importante. Pero yo hablo de un qué, de algo constitutivo. Y la técnica, que es importantísima porque todo oficio requiere de una gran técnica para hacerse en condiciones, necesita alma, que es lo que da realmente valor y potencia a la creación."

"Son momentos que se complementan con la imaginación, pero que no son puramente imaginarios. Son golpes que me vienen de la realidad, de los que vienen sentimientos que generan ideas, las cuales se constituyen en un motor que tira de todo un universo que se va creando. Y es ahí cuando surge la película completa, que escribo a manera de guión técnico con descripción pormenorizada de planos y de tiempos."

Las Reglas de Oro de Jim Jarmusch

Jim Jarmusch’s Golden Rules

Rule #1: There are no rules. There are as many ways to make a film as there are potential filmmakers. It’s an open form. Anyway, I would personally never presume to tell anyone else what to do or how to do anything. To me that’s like telling someone else what their religious beliefs should be. Fuck that. That’s against my personal philosophy—more of a code than a set of “rules.” Therefore, disregard the “rules” you are presently reading, and instead consider them to be merely notes to myself. One should make one’s own “notes” because there is no one way to do anything. If anyone tells you there is only one way, their way, get as far away from them as possible, both physically and philosophically.

Rule #2: Don’t let the fuckers get ya. They can either help you, or not help you, but they can’t stop you. People who finance films, distribute films, promote films and exhibit films are not filmmakers. They are not interested in letting filmmakers define and dictate the way they do their business, so filmmakers should have no interest in allowing them to dictate the way a film is made. Carry a gun if necessary.

Also, avoid sycophants at all costs. There are always people around who only want to be involved in filmmaking to get rich, get famous, or get laid. Generally, they know as much about filmmaking as George W. Bush knows about hand-to-hand combat.

Rule #3: The production is there to serve the film. The film is not there to serve the production. Unfortunately, in the world of filmmaking this is almost universally backwards. The film is not being made to serve the budget, the schedule, or the resumes of those involved. Filmmakers who don’t understand this should be hung from their ankles and asked why the sky appears to be upside down.

Rule #4: Filmmaking is a collaborative process. You get the chance to work with others whose minds and ideas may be stronger than your own. Make sure they remain focused on their own function and not someone else’s job, or you’ll have a big mess. But treat all collaborators as equals and with respect. A production assistant who is holding back traffic so the crew can get a shot is no less important than the actors in the scene, the director of photography, the production designer or the director. Hierarchy is for those whose egos are inflated or out of control, or for people in the military. Those with whom you choose to collaborate, if you make good choices, can elevate the quality and content of your film to a much higher plane than any one mind could imagine on its own. If you don’t want to work with other people, go paint a painting or write a book. (And if you want to be a fucking dictator, I guess these days you just have to go into politics...).

Rule #5: Nothing is original. Steal from anywhere that resonates with inspiration or fuels your imagination. Devour old films, new films, music, books, paintings, photographs, poems, dreams, random conversations, architecture, bridges, street signs, trees, clouds, bodies of water, light and shadows. Select only things to steal from that speak directly to your soul. If you do this, your work (and theft) will be authentic. Authenticity is invaluable; originality is nonexistent. And don’t bother concealing your thievery—celebrate it if you feel like it. In any case, always remember what Jean-Luc Godard said: “It’s not where you take things from—it’s where you take them to.”

Se lo robé a Christian Cueva porque él me lo pidió.

De Cine Digital Vs. 35mm

En la lista de correos de CineNL se abrió recientemente una discusión acerca de filmar en digital (específicamente se mencionó la cámara RED) contra hacerlo en celuloide de 35mm. Al respecto de la discusión hoy mandé este mail:

Yo soy fan de RED, me gusta su concepto de una sola cámara que pueda
ir evolucionando y mejorándose. Me interesa mucho ver que pasa con
EPIC y con los nuevos sensores. Pero al día de hoy, y dudo que el
próximo año, el filmar en RED largometrajes para exhibición comercial
(y sobretodo hacerlo en México) simplemente quita costos de una área
de la producción y los pone en otra. En mi experiencia estamos
hablando de que presupuestos comparativos de una misma producción de
ficción para exhibición comercial en RED vs. 35mm sólo arrojan una
diferencia de entre el 5% y el 10%, que en una producción estandar no
alcanza para determinar el formato de captura. Esto es diferente si se
piensa en la producción de un documental u otro producto, claro, pero
vamos, que para hacer una producción en micro o low-budget no es
escencial ni uno ni el otro. Y la RED todavía tiene sus piojos que
pueden causar muchos dolores de cabeza (como los tiene el celuloide),
pero al final creo que sigue siendo una decisión de
productor-director-DP.

¿Va a cambiar esto? Por supuesto, cambia cada día. ¿Se va a morir de
plano el 35mm? Probablemente, pero no en el 2010. Con Arri, Sony, JVC
y compañía arriba del carro del 4K (and beyond) y el desarrollo de
muchas otras cámaras, el digital se va a ir expandiendo.

Y la distribución digital sí creo que tiene potencial para abrir el
espectro de oferta y darle más oportunidad a las producciones locales,
documentales, etc. en contra de las majors y el dominio de los
exhibidores monopólicos. Aquí será importante un esfuerzo de
individuos que se arriesguen a abrir salas independientes, o a una
iniciativa de IMCINE que abra salas de segunda corrida y de proyección
digital de producciones nacionales. Quizá proyectos como el de Simón
Bross o el cine viajero de las chicas argentinas que nos visitan el
viernes sean parte de esta solución. Pero esto sólo soluciona una
parte de los costos y logistica. Ahorra en copias y abre oportunidades
de distribución/exhibición (responsabilidad que junto con la promoción
recae cada vez más sobre el productor), pero los costos de producción
de un producto de calidad siguen siendo los mismos.

Sin duda una discusión que continuará.

Promocine 2009

Se abrió el Promocine de corto después de mucha especulación. Algunas cosas interesantes de esta convocatoria:

1) Un solo premio de $650.000, a pesar de que se había hablado de que sería un premio de $1,200.000 o dos de $600.000. Creo que $650.000 es suficiente para armar una producción competente, pero también creo que un solo corto de ese tamaño para el Estado no es lo más conveniente. Además, ¿dónde están los demás recursos? ¿Se reservan para el Promocine de largometraje?

2) No se menciona a IMCINE en esta convocatoria. La crisis ya se hace notar. Hasta ahora todos los cortos de Promocine han sido distribuídos por el IMCINE, ¿volverá a ser así?

3) El corto al final se entrega en HD o Betacam, no 35mm como había sido la norma hasta ahora.

Hay muchas otras cosas que comentar.

Las bases, aquí.

ACTUALIZADO: En un mail Juan Farré, actual vocal del Gremio de Cineastas, comenta: "IMCINE no participa económicamente pero espero contar con su apoyo logístico para distribución y festivales del trabajo premiado."